Shu-nuri, Aokainuri et Ikakeji — Techniques de la laque appliquées aux koshirae de daimyō et esthétique du nihontō à travers les âges

L'esthétique du nihontō que révèle la « face extérieure » du koshirae

Quand on évoque le charme du nihontō, le regard se porte inévitablement sur le hamon et le jigane de la lame. Pourtant, le niveau artistique du « koshirae » qui enveloppe cette lame constitue lui aussi l'une des fleurs de la culture du nihontō. Dans les « koshirae de daimyō » commandés par les seigneurs et les shōgun, les techniques les plus élevées de l'époque en matière de laque, de métal et de tissus étaient déployées sans retenue.

Dans cet article, nous abordons trois techniques de laque représentatives appliquées aux koshirae — le « shu-nuri », l'« aokainuri (raden) » et l'« ikakeji » — et en expliquons les caractéristiques artistiques, le contexte historique, ainsi que l'évaluation à l'époque contemporaine.

Shu-nuri — La dignité et la tradition du rouge

Le shu-nuri est une technique qui consiste à mélanger du bengara (oxyde de fer) ou du cinabre (sulfure de mercure) à la laque pour produire une couleur vive à dominante rouge. C'est l'une des plus anciennes techniques de coloration dans la laque japonaise ; une laque rouge a également été retrouvée sur des objets laqués mis au jour datant des périodes Jōmon et Yayoi.

L'utilisation du shu-nuri dans la monture remonte aux « shu-nuri tachi » de la période Heian. Les tachi utilisés comme offrandes et récompenses rituelles par les guerriers exprimaient visuellement leur « rang élevé » en revêtant l'intégralité de la saya d'un shu-nuri.

À l'époque Sengoku, les généraux adoptèrent des koshirae de lances et de naginata en shu-nuri comme « moyen d'afficher leur puissance », combinant visibilité sur le champ de bataille et démonstration d'autorité. À l'époque d'Edo, la tradition de la saya en shu-nuri fut perpétuée pour les sabres cérémoniels des daimyō, et ces pièces étaient également prisées comme souvenirs et cadeaux dans les différents fiefs.

Le raffinement technique du shu-nuri réside dans sa combinaison avec la « finition roiro ». Du rouge simple au cramoisi raffiné, l'aspect varie considérablement selon le dosage et le savoir-faire de l'artisan ; les étapes représentatives du processus sont les suivantes.

1. Appliquer plusieurs couches de laque rouge
2. Poncer au charbon de bois
3. Appliquer une fine couche de laque brute et lustrer avec de la corne de cerf (polissage roiro)

On obtient ainsi une transparence aux reflets profonds.

Aokainuri — L'éclat du yako-gai et du raden

L'aokainuri est une forme de technique raden qui exploite l'« éclat irisé (couleur structurale) » présent à l'intérieur de coquilles telles que le yako-gai, l'awabi (ormeau) ou l'akoya-gai (huître perlière akoya). On incruste des fragments de coquille finement découpés dans un fond laqué, puis on applique plusieurs couches de laque translucide par-dessus avant de polir, faisant apparaître un éclat mystérieux dont les teintes changent continuellement selon l'angle de la lumière.

Dès la période Nara, des objets décorés à la technique raden figuraient déjà parmi les trésors du Shōsō-in, témoignant du fait que le Japon s'est approprié et a développé de manière originale une technique transmise depuis le continent (Tang). À la période Heian, les Raden Tachi associés aux costumes de cour étaient particulièrement prisés de l'aristocratie, et à la période Kamakura, la technique se répandit également chez les guerriers.

L'apogée de l'aokainuri dans la monture est représentée par les « kin-nashiji raden saya » (saya en raden sur nashiji doré). Il s'agit d'une technique combinée consistant à disposer du raden sur un fond makie semé de poudre d'or appelé nashiji ; le « kin-nashiji aoi-mon raden tachi koshirae » conservé au Musée national de Tokyo est connu comme une pièce liée à la famille Tokugawa, et est considéré comme l'un des koshirae ultimes incarnant le prestige de la famille shōgunale.

Les artisans contemporains spécialisés dans l'aokainuri peinent à s'approvisionner en yako-gai. Autrefois récoltés à Okinawa et à Amami, ces coquillages sont aujourd'hui soumis à des restrictions en raison de l'épuisement des ressources, et il faut désormais recourir à des importations en provenance des îles Fidji, du Vanuatu et d'autres pays. Le nombre de coquilles utilisées pour une seule saya peut aller de plusieurs dizaines à plusieurs centaines, et il n'est pas rare que la fabrication prenne plusieurs mois.

Ikakeji — Le fond doré que recouvre la poudre d'or

L'ikakeji est l'une des étapes de base de la technique makie ; il désigne le « fond de hira-makie » consistant à recouvrir entièrement une surface laquée en y appliquant densément de la poudre d'or ou d'argent. En créant littéralement un « sol recouvert d'or », on produit l'effet de faire ressortir les motifs appliqués par-dessus sur un fond doré.

On en trouve fréquemment dans les koshirae de la période Muromachi, dont des exemples tels que l'« uchigatana koshirae à motif matsukawa-bishi sur ikakeji » et le « tachi koshirae à fil enroulé, motif shippō sur ikakeji » nous sont parvenus. À l'époque d'Edo, cette technique fut abondamment utilisée pour les koshirae de tachi fabriqués comme cadeaux pour les shōgun et les daimyō, produisant des koshirae nobles où les emblèmes familiaux tels que le mon paulownia, le mon aoi ou le mon chrysanthème se détachaient élégamment sur le fond doré.

La texture du fond varie selon la granulométrie de la poudre d'or. Les variantes sont les suivantes.

• Nashiji : utilisation d'une poudre d'or grossière (poudre nashiji)
• Kinji : finition uniforme avec une poudre d'or fine
• Hyōmon : application de feuilles d'or

Les artisans adaptaient habilement le type de poudre et les étapes d'application en fonction de l'usage et du rang.

L'inconvénient de l'ikakeji est qu'il est « sujet aux altérations ». La poudre d'or elle-même ne s'oxyde pas, mais la laque utilisée comme adhésif perd en transparence avec le temps, et un koshirae décoloré tend à devenir un « fond doré terni ». Pour la conservation et la restauration en musée, le maintien d'un environnement à basse température et faible humidité est indispensable pour ralentir la dégradation de la laque.

L'art total de la laque dans les koshirae de daimyō

Les koshirae de daimyō de l'époque d'Edo étaient des « œuvres artisanales totales » où plusieurs artisans se répartissaient le travail et collaboraient pour réaliser un nihontō dans sa totalité. Les responsabilités se divisaient comme suit.

Étant donné le nombre élevé d'artisans impliqués, il n'était pas rare que la réalisation d'un seul koshirae de daimyō prenne plusieurs années. Les coûts étaient également considérables, et pour un objet offert au shōgun, on estime que le coût de fabrication, converti en valeur actuelle, atteignait plusieurs centaines de millions de yens.

Les artisans de koshirae laqués vivant à l'époque contemporaine

Même à notre époque, on dit qu'il n'existe qu'une dizaine d'artisans capables de fabriquer des koshirae laqués dans tout le pays. Les artisans ayant maîtrisé à la fois la laque et la monture sont extrêmement rares, et leur technique est confrontée au grave défi du manque de successeurs.

Le nombre de jeunes ayant étudié la laque à la Tōkyō Geijutsu Daigaku ou à la Kanazawa Bijutsu Kōgei Daigaku et s'intéressant à la laque pour la monture est certes en augmentation. Cependant, l'acquisition des techniques propres à la monture, telles que la « laque sur surfaces tridimensionnelles » et le « traitement des jonctions avec le tsuba et le habaki », requiert une formation d'au moins dix ans.

L'existence d'artisans qui appliquent aux grandes lames contemporaines des koshirae de la plus haute qualité selon les techniques traditionnelles revêt une importance au moins égale à celle des tōshō pour la transmission de la culture du nihontō. Porter son regard, en tant que collectionneur, sur la laque des koshirae constituerait sans doute une aide précieuse à la préservation et à la transmission de cette technique rare.