Kurosawa Akira und das nihontō — Die Wirklichkeit der Schwertinszenierung in „Shichinin no Samurai" und „Tsubaki Sanjūrō"

Kurosawa-Filme und die Erschließung der „filmischen Schwertdarstellung"

Der 1954 erschienene Film „Shichinin no Samurai" ist ein wegweisendes Werk, das das nihontō ins Zentrum der Filmkunst rückte. Regisseur Kurosawa Akira kombinierte Kameraführung, Beleuchtung und Tontechnik, um die Schwere und Spannung des Schwertes im bewegten Bild erfahrbar zu machen. Der Moment, in dem das Schwert im Duell im Regen Schlamm und Wasser aufwirbelt, die bogenförmige Bewegung der Spitze, die die Luft durchschneidet — diese Bilder vermittelten nicht nur Kampfdarstellungen, sondern trugen die Schönheit und Funktion des nihontō in die ganze Welt.

Bei der damaligen Filmproduktion wurden sowohl echte nihontō (shinken) als auch Requisitenschwerter verwendet. Kurosawa legte großen Wert auf die Korrektheit der Schwerttechniken und soll Schwertkünstler und Schwertklingen-Handwerker als Berater hinzugezogen haben. Die Obsession für Details — die Bewegung beim Ziehen des Schwertes, der Winkel der Klinge, die Handhabung des Gleichgewichtspunkts — war die Quelle des Realismus, der in den Bildern lebt.

Die Ästhetik des nukiuchi in „Tsubaki Sanjūrō"

Der 1962 erschienene Film „Tsubaki Sanjūrō" ist durch den „Blutfontänen"-Moment in der letzten Szene in die Filmgeschichte eingegangen. Der von Hauptdarsteller Mifune Toshirō gespielte Sanjūrō führt einen Streich aus, der das nukiuchi des iai auf filmische Weise zur Vollendung bringt.

Nukiuchi ist eine Technik, bei der das Ziehen des Schwertes aus dem saya und der Schnitt gleichzeitig ausgeführt werden — sie bildet das Herzstück des iai-dō. Kurosawa übersetzte die Spannung dieser Technik, die „im Moment des Ziehens entschieden wird", in die Grammatik des Films. Der eine Augenblick nach langer Stille — diese Struktur aus „Leere und Explosion" schwingt mit der grundlegenden Ästhetik des nihontō mit.

Im tatsächlichen iai-dō dringt die Übung des nukiuchi erst nach tausend- und zehntausendfacher Wiederholung wirklich in den Körper ein. Die Tiefe, die eine einzige Filmszene verkörpert, ist auch das Wesen der „Authentizität", die das Publikum unbewusst wahrnimmt.

„Yōjinbō" und der Rang des Schwertes — Die Bedeutung der Tragart

Im 1961 erschienenen Film „Yōjinbō" ist der Anblick des Protagonisten Kuwabatake Sanjūrō, der das Schwert an der Hüfte trägt, eindrucksvoll. Im Jidaigeki ist es üblich, das uchigatana in den Obi zu stecken, doch der Winkel und die Höhe der Tragart sowie die Wahl der Schwertlänge bilden eine visuelle Sprache, die den sozialen Status und das Wesen der jeweiligen Figur ausdrückt.

Trägt man das Schwert hoch, lässt es sich leichter ziehen und wirkt kriegerisch. Trägt man es tief, strahlt es ruhige Würde aus. Kurosawa baute diese Details bewusst in seine Inszenierung ein. Die „stets kampfbereite Haltung" des Protagonisten in „Yōjinbō" ist ein Kristall der Spannung, die allein durch Kostüm und Tragart des Schwertes ausgedrückt wird.

Tate und Schwertkunst — Die Technik der filmischen Auslassung

Das tate im Jidaigeki ist keine tatsächliche Schwertkunst, sondern eine körperliche Ausdrucksform, die für das Publikum neu gestaltet wurde. Bewegungen, die im wirklichen Schwertkampf zu schnell sind, um ihnen mit den Augen zu folgen, werden bewusst durch Pausen und Tempowechsel „sichtbar" gemacht. Dass die Kampfszenen der Kurosawa-Werke bis heute immer wieder zitiert werden, liegt daran, dass die Kombination aus diesem Realismus und stilisierter Schönheit so ausgewogen ist. Die Berufsgruppe, die das tate spezialisiert gestaltet, wird in Tateshi als Beruf — Wie Schwertaktionen im Jidaigeki entstehen behandelt.

In der Gruppenszene in „Shichinin no Samurai" wurden Bewegungen durch Regen und Schlamm schwerer gemacht, und die Wucht eines einzelnen Streichs appellierte an die körperliche Wahrnehmung des Publikums. Die Duellszene in „Tsubaki Sanjūrō" hingegen reduziert die Bewegung auf ein absolutes Minimum und maximiert die Spannung durch lange Stille. Es sind entgegengesetzte Ansätze, doch beide sind von dem Gedanken durchdrungen, dass „ein Schwert nicht leichtfertig geschwungen werden soll".

koshirae und die Sorgfalt bei der historischen Recherche

Einer der Gründe, warum Kurosawa-Filme hoch geschätzt werden, ist die Sorgfalt bei der historischen Recherche. In Werken, die in der Edo-Zeit angesiedelt sind, wurde darauf geachtet, das damalige koshirae originalgetreu zu rekonstruieren. Die Wickelweise der tsuka-Schnur, das Design des tsuba, die Textur der Lackierung des saya — die Rekonstruktion dieser tōsōgu wurde durch die Zusammenarbeit von Szenenbildnern und Schwertklingen-Handwerkern realisiert.

Gleichwohl ist ein Film letztlich ein künstlerischer Ausdruck und beinhaltet selbstverständlich auch dramatische Übertreibungen. Manchmal wird ein imposanteres koshirae gewählt, das besser auf der Leinwand wirkt, statt der gedämpften Schlichtheit eines echten nihontō der Edo-Zeit. Was die Genauigkeit der historischen Recherche betrifft, ist es auch interessant, die vertiefende Auseinandersetzung in späteren Fernseh-Jidaigeki zu betrachten, die in Taiga Drama und nihontō-Recherche — Die Entwicklung der nihontō-Kultur und der historischen Überprüfung in NHK-Jidaigeki verglichen werden kann. Ein Publikum mit Kenntnissen in der nihontō-Betrachtung kann diese „filmischen Unwahrheiten" genießen und gleichzeitig die Unterschiede zur tatsächlichen Epoche herauslesen.

Weltweite Ausstrahlung — Das durch Kurosawa-Werke geweckte Interesse am Schwert

„Shichinin no Samurai" wurde von Regisseur John Sturges als „Die glorreichen Sieben" (1960) neu verfilmt, und die Geschichte des nihontō wurde als Hollywood-Western neu interpretiert. „Yōjinbō" beeinflusste Sergio Leones „Für eine Handvoll Dollar" (1964). So wurde die „Ästhetik des nihontō" durch Kurosawa-Filme in die Weltfilmgeschichte eingeschrieben.

Die durch das bewegte Bild vermittelte Philosophie des Schwertes — „in die kleinste Bewegung den größten Willen legen" — wirkt als universelle Ästhetik, die Menschen unabhängig von ihrem kulturellen Hintergrund anspricht.

Vom Film zum Original — Perspektiven für die Betrachtung

Wer durch Kurosawa-Filme sein Interesse an echten nihontō entdeckt hat, wird seine Betrachtung mit folgenden Gesichtspunkten um eine Stufe vertiefen können.

• Sugata: Der bogenförmige Streich beim Ziehen des Schwertes, der im Film einen bleibenden Eindruck hinterlässt, entsteht durch den sori der Klinge. Wenn man ein Original betrachtet, sollte man sich die Tiefe des sori und die Lage des Schwerpunkts vorstellen und die gesamte sugata in ihrer Ganzheit betrachten.
• hamon: Der hamon, der auf der Leinwand nur als Lichtreflex erscheint, ist der eigentliche Star bei der Betrachtung eines Originals. Man sollte den Lichtwinkel verändern und die Landschaft von Unregelmäßigkeiten und Aktivitäten des hamon ausgiebig verfolgen.
• koshirae: Wenn man sich an das koshirae aus dem Film erinnert und die Wickeltechnik der tsuka, das Motiv des tsuba und die Textur der saya-Lackierung vergleicht, wird auch sichtbar, wie treu die Filmausstattung der historischen Recherche gefolgt ist.
• Gewicht: Das „Gewicht", das die Schauspieler in ihrer Bewegung vermitteln, ist auch Schauspielkunst. Ein echtes Schwert besitzt ein Gewichtsgleichgewicht, das erst beim Halten spürbar wird, und die Bedeutung der Bewegung erschließt sich körperlich.

Wenn man beim Durchsehen eines Online-Katalogs der nihontō die Szenen aus Kurosawa-Filmen vor Augen hat und dabei das koshirae und den hamon jeder einzelnen Klinge betrachtet, wird man erneut auf die dreidimensionale Schönheit aufmerksam, die das bewegte Bild nicht festzuhalten vermochte.