Die Ästhetik der sukashi-tsuba — Wie man ji-sukashi und mon'yō-sukashi unterscheidet und würdigt

Was ist sukashi — Die Technik, das Eisen „sprechen zu lassen"

Der Begriff „sukashi" bezeichnet die Gesamtheit der Techniken, bei denen in die Eisenfläche (oder die Metallfläche aus Messing, shakudō, yamagane oder anderen Metallen) einer tsuba Löcher eingearbeitet werden, um mit deren Umrissen ein Muster auszudrücken. Im heutigen Verständnis entspricht dies dem „Laserschneiden von Metall", doch früher geschah alles in reiner Handarbeit — einer präzisen Metallhandwerkskunst mit dem tagane (Meißel). In eine dünne Eisenplatte ohne Bauplan und ohne Lineal, allein mit dem geschulten Blick und dem Fingerspitzengefühl des Handwerkers, komplexe Muster zu durchbrechen, war ein grundlegend anderes schöpferisches Tun als die heutige maschinelle Bearbeitung.

Sukashi lässt sich grob in zwei Typen unterteilen (Kotobank „Tōchoku"):

• Ji-sukashi: Eine Technik, bei der die Teile, die das Motiv bilden sollen, stehen bleiben und der Grund (Hintergrund) durchbrochen wird. Da das Motiv selbst als Eisenfläche erhalten bleibt, hebt sich der Umriss des Motivs mit der Dicke des Metalls ab.
• Mon'yō-sukashi: Im Gegensatz zum ji-sukashi eine Technik, bei der die Form des Musters selbst in die Grundplatte eingebrochen wird. Die Teile des Musters werden zu Löchern, während der Grund als feste Masse bestehen bleibt. Die ko-sukashi, bei der kleine Formen wie Pflaumenblüten oder Kirschblüten ausgestochen werden, gehört zu diesem Typ; es wird angenommen, dass sich die sukashi-tsuba aus runden eisernen tsuba entwickelt hat, denen ko-sukashi hinzugefügt wurden (Kotobank „Tsuba").

Allein das Verständnis des Unterschieds zwischen diesen beiden Typen vertieft das Erleben der Betrachtung einer tsuba erheblich.

Motivklassifikation des sukashi — Was wird „gesagt"?

Das Kennen des gestalterischen Hintergrunds der Motive einer sukashi-tsuba vertieft die Freude am Betrachten.

• Geometrische Muster (kikagakumon): Einfache geometrische Formen wie Kreise, Dreiecke, Vierecke, Rauten und mokko-Formen. Die älteste Form, häufig bei tsuba aus der kotō-Epoche anzutreffen. Repräsentative Beispiele sind maru-sukashi, naga-sukashi, kōshi-sukashi und mokko-sukashi. Auf den ersten Blick mögen sie schlicht wirken, doch in der Anordnung der Löcher und dem Flächenverhältnis zwischen Löchern und Eisengrund verdichtet sich die Ästhetik des Handwerkers.
• Pflanzenmuster (shokubutsumon): Paulownia, Chrysantheme, Kirschblüte, Kiefer, Bambus, Pflaumenblüte und weitere. Besonders Paulownia (Wappen des Hauses Toyotomi) und Chrysantheme (Zeichen des Kaiserhauses) wurden häufig als Symbole von Autorität verwendet. Die Kirschblüte erfreute sich ab der Mitte der Edo-Zeit als Motiv großer Beliebtheit, das mit dem Geist des Bushidō — der Schönheit des Verblühens im rechten Augenblick — verbunden war.
• Tiermuster (dōbutsumon): Drachen, Phönix, Hirsch, Schmetterling, Fisch und weitere. Besonders häufig ist der „Unryū-sukashi", der Drachen mit Wolken oder Wellen kombiniert, und jede Schule hat ihn in ihrer eigenen Interpretation dargestellt. Der Schmetterling war eines der bevorzugten Motive der Higo-Metallhandwerker; viele Exemplare entfalten eine lebendige Präsenz, obwohl ihre Umrisse schlicht sind.
• Glücksmuster (kisshōmon): Glückverheißende Muster wie takarazukushi, shippō-tsunagi, Schildkrötenpanzer und Hanfblatt. Ab der Mitte der Edo-Zeit nahmen sie im Zuge des Aufstiegs der städtischen Volkskultur zu. Sie spiegeln eine Epoche wider, in der die tsuba immer weniger ein Gebrauchsgegenstand der Kriegerklasse war und immer mehr den Charakter eines kunsthandwerklichen Objekts gewann.
• Waffenmuster (bugomon): Motive wie Schwert, Bogen, Pfeil, Rüstung und Befehlsstab — Kriegsgeräte selbst als Motiv. Ein selbstbezügliches Gestaltungsmotiv, das nur in einer Kriegergesellschaft denkbar ist und militärische Macht und Würde zum Ausdruck bringt.
• Landschaftsmuster (fūkeimon): Japanische Landschaftsmotive wie Fuji, Mond, Wellen und Kiefernhain. Sie entwickelten sich zusammen mit dem Trend zu naturalistischer Metallarbeitskunst in der späten Edo-Zeit und stehen unter deutlichem Einfluss der Nara-Metallhandwerker.

Stilwandel nach Epoche und Schule

Die Stilistik der sukashi-tsuba folgt je nach Epoche und Schule einer klaren Entwicklung.

• Kotō-Epoche (Heian bis Muromachi): Einfache geometrische sukashi dominierten. Maru-sukashi, naga-sukashi und mokko-sukashi waren häufig und spiegeln die Materialbeschränkungen und die Designphilosophie des Praxisvorrangs wider. Die Ausschnittformen sind schlicht, gewinnen jedoch in Verbindung mit der kitae-hada des Eisengrundes eine eigenartige Kraft.
• Momoyama-Epoche: In Kyoto und Owari bildeten sich Handwerkergruppen, die ausschließlich durchbrochene Eisen-tsuba fertigten; mit Kyō-sukashi-tsuba und Owari-sukashi-tsuba machte die sukashi-tsuba einen weiteren Entwicklungsschritt. Umetada Myōju zur selben Zeit brachte Muster nicht mit sukashi, sondern mit Flacheinlagen aus farbigen Metallen zur Geltung (Kotobank „Tsuba"). Durch den Einfluss des Nanban-Handels tauchten auch Motive im exotischen Stil auf, und die sukashi-Technik diversifizierte sich.
• Frühe bis mittlere Edo-Zeit: Die Shōami-Schule (shōami-ha) breitete sich nach Iyo, Kyoto, Aizu, Shōnai und anderen Regionen aus. In Higo auf Kyūshū blühten die Higo-Metallhandwerker Hayashi, Nishigaki, Shimizu, Hirata und andere als im Dienst des Hosokawa-Clans stehende Handwerker auf und zeichneten sich durch kriegerisch geprägte Motive sowie durch Einlagen und sukashi aus (Kotobank „Tsuba").
• Späte Edo-Zeit bis Bakumatsu: Im Bereich der Schwertschmuck-Metallarbeiten insgesamt traten Meister wie Yokoya Sōmin und die Nara-Sansaku hervor, und ein malerischer Ausdruck durch takabori und katakiri-bori verbreitete sich. Unter den sukashi-tsuba finden sich viele hervorragende Werke bei Akasaka-tsuba, Chōshū-tsuba und Echizen Kinai (Kotobank „Tsuba").

Betrachtungspunkte der sukashi-tsuba

Beim Betrachten einer sukashi-tsuba vertieft die Aufmerksamkeit für folgende Punkte die Wertschätzung.

• Qualität der Schnittränder: Ob die Ränder der Durchbrüche scharf sind und wie die Spuren des tagane auf der Schnittfläche erhalten sind. Die Schnittfläche eines Lochs aus der Hand eines Meisters ist erstaunlich regelmäßig und könnte fast für maschinelle Bearbeitung gehalten werden. Andererseits haben die schlichten Schnittränder der kotō-Epoche einen eigenen Reiz jenseits reiner Zweckmäßigkeit.
• Kitae-hada des Grundes: Man beobachte die Qualität des Grundes (Eisenfläche), der den sukashi umgibt — die Feinheit der kitae-hada, den Charakter des über die Zeit entstandenen Rosts sowie das ausgewogene Verhältnis der Dicke. Ein Grund, über den sich gleichmäßig ein weicher Rost (gedämpfter Farbton, dem schwarzen Rost nahestehend) gelegt hat, ist ein Zeichen jahrelanger sachgemäßer Aufbewahrung und erhöht den ästhetischen Wert.
• Vollendung des Motivs und Komposition: Ob das durch den sukashi ausgedrückte Motiv schön und ausgewogen in sich geschlossen ist. Die Handhabung des Weißraums in der Komposition, das Verhältnis der Motivgröße zur Grundfläche, die Ausrichtung des Blickwinkels. Bei einer hervorragenden sukashi-tsuba wirken der „negative Raum" der Löcher und der „positive Raum" des Grundes gleichwertig.
• Lichtdurchlass und Schatten: Hält man eine sukashi-tsuba gegen das Licht, scheint das Licht durch die Löcher und lässt das Muster aufleuchten. Dieses „Wechselspiel von Licht und Schatten" ist das eigentliche Wesen der sukashi-tsuba und zeigt einen ganz anderen Ausdruck als die flach daliegende tsuba. Um die wahre Schönheit einer sukashi-tsuba zu erfassen, ist es unerlässlich, sie gegen das Licht zu halten.
• Vereinbarkeit mit struktureller Stabilität: Zu viele Durchbrüche schwächen die tsuba, zu wenige machen sie schwer. Eine Gestaltung, die Funktionalität und Dekorativität ausgewogen vereint, ist das Kennzeichen einer hervorragenden sukashi-tsuba; die Konstruktion, die den Grund bis an die äußerste Grenze ausdünnt und dabei gerade noch jene Dicke hält, die Verbiegen und Brechen verhindert, ist das Ergebnis des mechanischen Instinkts des Handwerkers.

Sammlung und Erforschung der sukashi-tsuba

Hervorragende sukashi-tsuba sind in Museen und Sammlungen im In- und Ausland verteilt. Das Tokyo National Museum besitzt zahlreiche erstklassige sukashi-tsuba aus der kotō-Epoche bis in die Edo-Zeit, die bei Sonderausstellungen und Dauerausstellungen besichtigt werden können. Das von der gemeinnützigen Stiftung NBTHK betriebene Japanische Schwertmuseum ist als Facheinrichtung, die auf Schwerter und tōsōgu spezialisiert ist, mit der systematischen Sammlung und Erforschung von Metallarbeiten einschließlich sukashi-tsuba sowie mit Begutachtungs- und Bewertungsaufgaben betraut.

Auf regionaler Ebene sind auch das Kumamoto Museum, das viele Werke der Higo-Metallhandwerker besitzt, sowie das Kyoto-Nationalmuseum, das über umfangreiches Material zur Umetada-Schule verfügt, wichtige Forschungszentren. Diese Einrichtungen fungieren als Grundlage zur Unterstützung der wissenschaftlichen Forschung, und es wird kontinuierlich an Stil und Technik der sukashi-tsuba geforscht. Im Ausland besitzen das British Museum, das Metropolitan Museum of Art und das Museum of Fine Arts Boston qualitativ hochwertige Sammlungen, von denen ein Teil auch in Online-Datenbanken zugänglich ist.

Zusammenfassung — Was der Weißraum im Eisen sagt

Die sukashi-tsuba zeigt die Quintessenz der japanischen Metallhandwerkskunst, die den robusten Werkstoff Eisen in eine feine „Kunst aus Licht und Schatten" verwandelt. Der Prozess, der mit einem einfachen runden Loch begann und sich mit der Zeit und der Entwicklung der Technik zu präzisem sukashi mit komplexen Mustern weiterentwickelte, ist der Weg des japanischen Handwerkskönntens selbst.

Wenn man den Unterschied zwischen ji-sukashi und mon'yō-sukashi versteht, das Hintergrundwissen zu den Motiven besitzt und das Muster entdeckt, das erst beim Halten gegen das Licht sichtbar wird, verwandelt sich die tsuba von einem „Zubehörteil des Schwertes" in ein „eigenständiges Kunstwerk". Die Ästhetik des sukashi, die den Weißraum nicht scheut, sondern ihn aktiv nutzt, ist die Verkörperung der „Ästhetik des Weglassens", die dem japanischen Kunsthandwerk und der Kunst insgesamt zugrunde liegt, und sie hat auch aus heutiger Sicht nichts von ihrer Strahlkraft eingebüßt.